vignette|exhibition dial-a-poem au musée d'art moderne situé à NewYork. Le , connu sous l'acronyme MoMA, est un musée d'art moderne et contemporain inauguré en 1929 et situé depuis 1939 dans le quartier de Midtown à Manhattan, New York sur la rue, entre les cinquième et sixième avenues.
Le MoMA fait partie des musées d'art moderne les plus importants et les plus influents dans le monde. La collection du MoMA offre un aperçu de l'art moderne et contemporain, principalement européen et américain ; elle comprend plus de œuvres, des dessins, peintures, estampes, sculptures, photographies, des œuvres d'architecture et de design, des livres illustrés et livres d’artistes, des films et des médias électroniques.
La bibliothèque du MoMA comprend environ et catalogues d'expositions, plus de de périodiques et plus de éphémères sur des artistes ou des mouvements. Les archives contiennent des sources primaires liées à l'histoire de l'art moderne et contemporain.
Histoire Au milieu des années 1920, trois femmes, Abby Aldrich Rockefeller (épouse de John D. Rockefeller, Jr.) et deux de ses amies, et , mécènes influentes et progressistes, perçoivent la nécessité d'offrir une alternative aux politiques conservatrices des musées traditionnels aux États-Unis. Réussissant à persuader l'industriel et banquier de les soutenir, qui avait été l'un des plus gros mécènes de l'Albright–Knox Art Gallery (Buffalo), elles décident de créer une institution vouée exclusivement à l'art moderne qui aura pour rôle de conserver des œuvres connues mais surtout d'ouvrir ses portes à de jeunes artistes contemporains, avec une conception large de l'art, ouverte sur la vie. Alfred Barr en est le premier directeur. Aucune institution muséale consacrée à l'art contemporain n'existait à New York auparavant, si l'on excepte le Museum of Living Art fondé par à la New York University (1925) et la collection Société Anonyme, Inc. fondée par Katherine Dreier et Marcel Duchamp et hébergée par le Brooklyn Museum (1927). Le une grande exposition est organisée dans le Heckscher Building au 730 Fifth Avenue, un local prêté pour l'occasion, réunissant 35 Cézanne, 28 Van Gogh, 21 Gauguin et 17 Seurat, permettant de récolter des fonds destinés au nouveau musée.
L'institution reçoit également le mécénat de la philanthrope Louise Crane, compagne de la femme politique républicaine Victoria Kent, dans les années 1930.
Bâtiments Au cours de son histoire, le musée a occupé successivement un espace de bureaux loué sur la Cinquième avenue en quelques jours après le krach boursier ; en 1932 une maison de ville louée aux Rockefeller ; en 1937 des locaux temporaires au rez-de-chaussée du Rockefeller Center.
En 1939, un bâtiment conçu par les architectes modernistes Philip L. Goodwin et Edward Durell Stone est construit au 11 West 53e rue, son emplacement depuis cette date, pour le dixième anniversaire du musée Museum of Modern Art, New York, Grove Art Online. Il est conçu dans le style international, associant des idées de l'école du Bauhaus et des techniques de construction en acier et en verre. Il contraste avec les immeubles voisins et marque aussi une rupture avec le style néoclassique ou avec les modèles de temple ou de palais, jusqu'alors retenus pour les institutions muséales: pas d'escalier monumental, pas de colonnes, pas de rotonde, etc. C'est le premier exemple, dans le monde, d'application du style international à un musée. Ce bâtiment a connu des agrandissements signés par l'architecte Philip Johnson (membre du conseil d'administration) en 1951 et 1964. La reconfiguration du Abby Aldrich Rockefeller Sculpture Garden a également été signée par Philip Johnson en 1953. En 1984, le musée est pourvu d'une extension par Cesare Pelli et en 2004, une rénovation et adjonction majeure est réalisée sous la conduite de Yoshio Taniguchi.
Au début des années 2010, le musée rachète le siège de l'American Folk Art Museum pour construire une nouvelle extension.
La dernière opération de rénovation et d'extension est menée par le cabinet d'architectes Diller Scofidio + Renfro ; la livraison est prévue après quatre mois de fermeture du musée du au .
De son ouverture en 1929 jusqu'au le MoMA n'a cessé de modifier, d'agrandir, tant ses bâtiments que ses collections ; le MoMA est passé du statut d'entité expérimentale, incertaine à la proclamation triomphante le désignant comme le musée d'art moderne de New York.
Collection Projet initial d'Alfred Barr Les trustees, Abby Aldrich Rockefeller et deux de ses amies, Lillie P. Bliss et Mary Quinn Sullivan, avaient choisi Alfred Barr comme directeur, alors qu'il n'avait que vingt-sept ans, parce qu'il avait participé à un séminaire de Paul Sachs puis, en sa qualité de professeur au Wellesley College, avait élaboré et donné un cours visionnaire sur l'art moderne, une première aux États-Unis.
Il avait été formé en histoire de l'art à université de Princeton et à celle d'Harvard. Par ailleurs, une visite au Bauhaus en 1927 l'avait sensibilisé à une approche pluridisciplinaire, ouverte à de nombreuses pratiques artistiques, une approche novatrice pour l'époque.
Lors de la première exposition du MoMA en 1929, Alfred Barr explique ses choix et sa démarche pour ce musée d'art moderne. Le projet initial de Barr inclut des départements consacrés à la peinture et à la sculpture, mais aussi au dessin, à la gravure, à la photographie, à la typographie, au design commercial et design industriel, à l'architecture (proposant une collection de projets et de maquettes), à la scénographie, au mobilier et aux arts décoratifs. Une filmothèque, devait aussi être créée. Pourtant le conseil d'administration, craignant que le public ne soit pas prêt à accepter ces nouvelles formes d'art, réduit sensiblement les extensions envisagées par Alfred Barr, de sorte que le texte final indique simplement : .
Une autre difficulté est de le sens d'une collection permanente pour un musée d'art moderne. L'art considéré comme moderne n'a-t-il pas vocation à devenir un art ancien au fil des ans ? Alfred Barr imagine initialement une relation complémentaire entre la mission de ce nouveau musée dont il a la charge et celle du Metropolitan Museum of Art, faisant l'analogie avec la relation entre le musée du Luxembourg et le Louvre à Paris qui, ensemble, donnaient au public la possibilité de voir l'art d'aujourd'hui et l'art du passé. Il imagine le MoMA comme une institution toujours en mouvement, à l'image d'une torpille : le « nez » de la torpille représentant le présent, son corps l'art des cinquante dernières années et sa traîne le délestage au fil des ans des œuvres les plus anciennes de façon à ne conserver que l'essentiel NYC arts, A torpedo moving through time. Mais un tel système de transfert entre les collections du MoMA er celles du Met ne fonctionne que quelques années.
Constitution des collections vignette|Umberto Boccioni, sculpture. vignette| Philip Johnson, maquette maison de verre. vignette|Gehry chair. vignette|Andy Warhol, Campbell's Soup Cans.
Le musée constitue sa collection au fil des décennies et souvent au fil des expositions par quatre générations de conservateurs aux sensibilités diverses, elles ont aussi été très largement enrichies de dons extérieurs émanant de collectionneurs dont l'apport est déterminant. Un des points de départ de la collection du MoMA est ainsi le legs de Lillie P. Bliss, une des fondatrices, qui se concrétise en 1934. Ainsi, les Baigneurs (1885) de Paul Cézanne, présenté lors de la première exposition le , est reçu grâce à ce legs de Lillie P. Bliss en 1934 et est l'un des premiers tableaux à entrer dans les collections du MoMA. House by the Rail Road (1925), une œuvre de Edward Hopper, fut elle aussi l'une des toutes premières œuvres à entrer dans les collections. Elle fut d'abord prêtée par son propriétaire Stephen C.Clark (héritier des machines à coudre Singer qui entra au conseil d’administration du MoMA pour la deuxième exposition du musée, Paintings by Nineteen Living American artists en . Peu après la fin de l'exposition Stephen Clark offre, de façon anonyme, le tableau au musée. Ces donations sont essentielles pour le jeune musée car au début, sans fonds destinés aux achats, Barr doit compter sur la générosité des trustees et autres mécènes pour commencer à constituer la collection. Cependant, si le premier directeur était très reconnaissant des dons reçus, il brûlait de mettre en place une politique d'acquisition cohérente et contrôlée. « L'élaboration d'une collection ne peut pas être laissée au hasard », affirme-t-il.
Dès la création, Alfred Barr voulait que ce musée soit ancré dans son époque mais ne renie pas le passé. C'est pourquoi il choisit de présenter lors de la première exposition en 1929 des artistes de la toute fin du , ceux de la deuxième génération comme Gauguin, Seurat, Van Gogh, et dans les expositions suivantes Matisse et Picasso (non représentés au MET)First Loan Exhibition, Cezanne, Seurat, Gaugin, Van Gogh sur le World Catalog.
En 1929, la date de 1880 correspondait au début d'une période de près de cinquante ans d'un esprit moderne que le musée se proposait de faire connaître au public new-yorkais.
La quasi-totalité des disciplines encore collectionnées aujourd'hui, la peinture et la sculpture, l'architecture et le design, le dessin et les estampes comme les livres d'artistes, le cinéma et la photographie font leur entrée dans les collections dès la première décennie de l'institution Barr, Alfred H., Jr. in The Oxford Dictionary of Art and Artists.
Le MoMA est l'un des premiers musées d'art au monde à se doter, en 1940, d'un département spécifique consacré à la photographie, fondé par Beaumont Newhall Newhall, Beaumont in The Oxford Dictionary of American Art and Artists ; cela contribue fortement à la reconnaissance de celle-ci comme un art à part entière et a eu une grande influence dans l'acceptation de la photographie par d'autres musées à travers le mondeNew Documents, Exhibition Diane Arbus, Lee Friedlander and Garry Winogrand, 1967, Organized by John Szarkowski (1925–2007), Director of the Department of Photography at MOMA, Grove Art Online.
Organisation et évolutions
Au sein d'une organisation administrative relativement stable, les objets collectionnés par les départements sont fort divers et leur définition en constante transformation, épousant, parfois avec un temps de retard, l'évolution des pratiques et des technologiesAlfred Barr, Report on the permanent collection, 1933).
Par exemple, la collection des œuvres sur papier, d'abord circonscrite au seul dessin noir et blanc jusqu'aux années 1950, s'est ouverte, progressivement et tardivement, à d'autres pratiques, du collage à la couleur, quand dans le même temps, les estampes s'ouvraient aux multiples et à l'affiche avec par exemple les œuvres dérivées de Ronald Haeberle.
L'autonomisation, à la fin des années 1960, du dessin et de l'estampe, jusqu'alors du ressort du département de Peinture et de Sculpture, a lieu au moment où ces pratiques deviennent centrales pour les avant-gardes de la période.
L'architecture, longtemps limitée à la présentation de dessins, plans ou maquettes, s'est tournée depuis peu de manière volontariste vers la photographie et l'image animée. De la même manière, le département de Photographie, dirigé de 1947 à 1962 par Edward Steichen, responsable de l'exposition The Family of Man, n'a commencé que dans les années 1960 à prendre en compte dans ses collections des formes de photographie non artistique, notamment la pratique amateur.