Dal 5 novembre 2021 al 4 aprile 2022, il Solomon R. Guggenheim Museum di New York ha ospitato Gillian Wearing: Wearing Masks, la prima retrospettiva dedicata all'opera di Wearing in Nord America.
Primi anni e formazione La Wearing è nata nel 1963 a Birmingham, in Inghilterra. Ha frequentato la Dartmouth High School a Great Barr, Birmingham. Si è trasferita a Chelsea, Londra, per studiare arte alla Chelsea College of Art and Design e ha occupato abusivamente l'edificio Oval Mansions. Nel 1987 ha conseguito una laurea in tecnologia dell'arte e del design e nel 1990 un BFA presso la Goldsmiths, University of London.
La pratica artistica
La Wearing è nota per il suo metodo di documentazione della vita quotidiana attraverso la fotografia e i video, che riguardano l'identità individuale negli spazi privati e pubblici, dove perde i confini tra realtà e finzione. John Slyce ha descritto il metodo di rappresentazione della Wearing come “inquadrare se stessa mentre inquadra gli altri”. Il suo lavoro fotografico e video sembra inizialmente simile alla maggior parte degli altri metodi giornalistici di documentazione visti in televisione e nei documentari, ma dopo un'analisi più approfondita diventa evidente che non è conforme alle convenzioni dei mass media. Il suo lavoro rivela che la macchina fotografica non assume una posizione neutrale nei confronti del suo oggetto, ma è piuttosto un potente organo di massa che abbatte la divisione tra pubblico e privato. All'inizio degli anni ‘90, ha iniziato a organizzare mostre fotografiche in cui ha lavorato con sconosciuti. C'è un motivo ricorrente nel suo lavoro in cui gioca e prende in giro l'idea dell'artista come antropologa, ma le sue attività antropologiche non si concentrano sulla scoperta di una cultura straniera, bensì sfidano ciò che pensavamo di sapere già. Ritiene che l'antropologia “tenti di comprimere la soggettività umana nell'oggettività scientifica”. Come afferma John Slyce: “Gillian Wearing non sopporta il disagio di parlare per conto di altri”. Nel suo approccio ai soggetti, quindi, invita le persone a includere la propria articolazione del pensiero nell’immagine all’interno dello spazio che ha fornito, piuttosto che una documentazione oggettiva. In un’intervista con Donna De Salvo, afferma:
“Per me, uno dei maggiori problemi della fotografia documentaria pura è il modo in cui il fotografo, come l'artista, costruisce qualcosa che assomiglia a una certa dichiarazione sociale: per esempio, si può far sembrare qualcuno infelice, quando questa è solo una sfumatura della sua personalità. È possibile che stia semplicemente guardando altrove, ma la sua espressione potrebbe essere interpretata come un segno di depressione nel suo comportamento generale. Non potrei sopportare l'idea di fotografare le persone senza conoscerle”.
Segni che dicono ciò che vuoi che dicano e non Segni che dicono ciò che qualcun altro vuole che tu dica (1992–1993) Nella sua opera Signs that say what you want them to say and not Signs that say what someone else wants you to say (1992-1993), la Wearing ha realizzato una serie di ritratti avvicinando sconosciuti incontrati per strada e chiedendo loro di scrivere su un cartello ciò che stavano pensando. La Wearing ha affermato che “quando sono tornati con qualcosa che avevano scritto, questo ha messo in discussione la [sua] percezione di loro”. Attraverso questo esercizio, persone di diversa provenienza, religione, età e status sociale si uniscono grazie alla pratica artistica, poiché “all'improvviso devi ricominciare a rivalutare le persone”. Le fantasie del pubblico di imporre le proprie interpretazioni ai soggetti fotografati vengono messe in discussione e reindirizzate dal foglio che tengono in mano. Questo scambio tra la Wearing e i soggetti che ha fotografato ha trasformato la pratica tipicamente alienante della fotografia ritrattistica in un'opera intima e conversazionale, che collega il fotografo al soggetto e il pubblico al fotografo.
La maschera In “Show Your Emotions” di Russell Ferguson, l'autore ricollega l'uso della maschera da parte della Wearing a una tradizione più antica che risale almeno alla tragedia greca classica: “Una tradizione in cui la maschera non serve tanto a sostituire un'identità con un'altra, quanto a cancellare gli aspetti superficiali dell'aspetto fisico per rivelare verità più profonde”. Confessa tutto in video. Non preoccuparti, sarai travestito. Ti incuriosisce? Chiama Gillian (1994) è un video di 30 minuti in cui la Wearing ha reclutato degli sconosciuti tramite un annuncio pubblicato sulla rivista Time Out e ha fornito uno spazio in cui i partecipanti potevano confessare le loro paure e fantasie alla telecamera, con la loro identità protetta da maschere di carnevale. La maschera è un espediente ricorrente nell'opera della Wearing e funge sia da protezione che da strumento che conferisce potere a chi la indossa; rendendo anonima la loro identità, permette loro di esprimersi senza costrizioni. Come spettatori, l'accesso alla verità diventa scollegato. La Wearing presenta questa natura fittizia dell'opera come un reportage. L'uso delle maschere mette anche in discussione l'autenticità e il modo in cui la realtà può essere fabbricata. Come ha affermato Doris Krystof:
“Protetti dalle maschere, protetti dal loro anonimato e protetti dal regno libero dell'arte, dove le loro confessioni vengono registrate ma non giudicate, dove non ci sono conseguenze da temere, nessuna ideologia o tentativo di appropriazione da affrontare, i partecipanti potevano godere di un senso di liberazione e fiducia nelle proprie voci”.
Trauma (2000) è un'ulteriore esplorazione della confessione con una maschera. Gli otto partecipanti confessano il loro trauma e la maschera che viene loro data riflette l'età in cui hanno subito il trauma, con l'intenzione di trasportare lo spettatore indietro nel tempo, al “momento determinante nella vita di chi la indossa”. Ciò che incuriosisce di questo lavoro è che sembra che non sia la prima volta che i partecipanti raccontano la loro storia, da quanto sembrano ben preparati. Ma non è così, forse hanno semplicemente recitato nella loro mente il trauma che hanno vissuto per molti anni.
In Omaggio alla donna con il volto bendato che ho visto ieri lungo Walworth Road (1995), la Wearing si copre il capo con bende bianche e cammina in pubblico. Quest'opera è nata dopo che la Wearing ha intravisto una donna con il capo bendato mentre era in macchina con un'amica. Inizialmente voleva chiedere il permesso di filmare la donna, ma poi ha deciso invece di coprirsi il viso con delle bende e di ricreare ciò che aveva visto. La sua passeggiata è stata documentata con discrezione da dietro e all'interno della maschera era stata installata una telecamera nascosta che ha catturato le reazioni orripilate dei passanti. Krystof Doris contestualizza l'approccio della Wearing: “Il rapporto tra osservatore e osservato viene prima stabilito, poi invertito, ma sempre raccontato dal punto di vista dell'artista”. Nel periodo 2003-2006, Gillian Wearing ha ricreato le fotografie dei suoi parenti che ha trovato nell'album di famiglia. Ha creato maschere in silicone di sua madre, suo padre, sua sorella, suo zio e una maschera di se stessa con l'aiuto di esperti formatisi al Madam Tussauds di Londra. Iniziano a creare la maschera in argilla da un'immagine bidimensionale trasformandola in un oggetto tridimensionale. In un articolo per The Guardian spiega che il processo richiede quattro mesi per ogni maschera e che all'inizio “alcune persone hanno cercato di convincermi a usare delle protesi, ma io ero irremovibile: doveva essere una maschera, qualcosa che mi trasformasse completamente, qualcosa che non fosse grottesco ma reale, come un trompe-l'œil”. Queste costose maschere in silicone si deteriorano facilmente dopo l'uso, trasformando il servizio fotografico in un atto interpretativo in cui l'azione è irripetibile. Questo processo diventa paradossale a causa delle difficoltà che si incontrano nel ricreare questi scatti casuali. Questo lavoro fa riferimento all'opera canonica nella storia della fotografia di Cindy Sherman, anche se la Wearing ha spostato l'attenzione sull'esplorazione della propria persona e delle relazioni sottostanti come costrutto sociale. Le opere contenute nell'Album non mettono necessariamente i membri della famiglia al centro dell'attenzione, ma catturano piuttosto il coinvolgimento della Wearing con i membri della famiglia.
Il Premio Turner “60 Minutes Silence (1996)” è l'opera che ha valso alla Wearing il Turner Prize nel 1997. La Wearing ha utilizzato una telecamera fissa e la posa è stata mantenuta per un lungo periodo di tempo, creando un momento personale imbarazzante. A prima vista l'immagine sembra un ritratto di gruppo in controluce di agenti di polizia britannici, ma osservandola più attentamente i lievi movimenti che compiono rivelano che si tratta in realtà di un video. Nel suo testo “Masks, Identity, and Performativity” (Maschere, identità e performatività), Krystof Doris spiega che il rapporto di potere tra lo spettatore e i soggetti osservati (gli agenti di polizia) si inverte a causa dello scenario disciplinare che Wearing ha imposto al gruppo di agenti. L'individualità di ciascun membro comincia ad affermarsi man mano che la registrazione procede e gli agenti diventano definitivamente “esseri umani normali”.
Gli anni '90 All'inizio degli anni '90, la Wearing ha iniziato a organizzare mostre fotografiche basate sull'idea di fotografare sconosciuti anonimi per strada a cui aveva chiesto di tenere in mano un foglio di carta con un messaggio scritto sopra. La serie è stata intitolata Signs That Say What You Want Them To Say and Not Signs That Say What Someone (Segni che dicono quello che vuoi che dicano e non segni che dicono quello che qualcuno vuole che dicano). Riguardo a questi lavori “confessionali”, la Wearing ha dichiarato:
Nel 1994 ha realizzato il provocatorio film “Dancing in Peckham”, in cui si è ripresa mentre ballava in un affollato centro commerciale nel sud di Londra, catturando le reazioni dei passanti per esplorare il divario tra esperienza pubblica e privata.
Una delle sue prime mostre nel Regno Unito si tenne alla Chisenhale Gallery, nella zona est di Londra, nel giugno 1997. Nello stesso anno, vinse il Turner Prize ed espose il video come 60 minutes silence, che ritrae 26 agenti di polizia in uniforme, ma che a prima vista sembra una fotografia. La Wearing ha dichiarato: “L'opera riguarda l'autorità, la moderazione e il controllo”. Ha anche esposto Sacha and Mum, che mostra le emozioni tra una madre e una figlia. Ha descritto l'opera come “Le cose non possono essere definitive, per quanto riguarda le emozioni. Sono sempre in subbuglio e possono andare in due direzioni opposte”. Cornelia Parker, Christine Borland e Angela Bulloch erano le altre artiste finaliste.
Alla fine degli anni '90, ha realizzato un video a tre canali intitolato Drunk (1997-1999), per il quale ha filmato un gruppo di ubriachi di strada che aveva conosciuto fuori dal suo studio, sullo sfondo di un fondale fotografico bianco. I bevitori sono mostrati in scene diverse, individualmente e in gruppo. Barcollano, cadono, litigano, combattono, dormono e alla fine uno degli uomini si mette in piedi davanti allo sfondo e urina.
Gli anni 2000 In Broad Street (2001), la Wearing documenta il comportamento tipico degli adolescenti della società britannica che escono la sera e bevono grandi quantità di alcol. Mostrando adolescenti che fanno festa in vari club e bar lungo Broad Street, a Birmingham, segue questi ragazzi dimostrando come l'alcol contribuisca alla loro perdita di inibizioni, insicurezze e controllo.Martin, Sylvia: "Broad Street", Video Art, page 94. Taschen, 2006.