『U2／魂の叫び』（ユーツーたましいのさけび、原題: Rattle and Hum）は、1988年に公開されたアイルランドのロックバンド、U2のライブ・ドキュメンタリー映画である。監督はフィル・ジョアノーが務め、パラマウント・ピクチャーズの配給により劇場公開された。
1987年にバンドを世界的スターへと押し上げた大ヒットアルバム『ヨシュア・トゥリー』に伴う大規模な北米ツアー（ヨシュア・トゥリー・ツアー）の模様を中心に、ステージ上の熱狂的なライブ・パフォーマンスや、舞台裏でのレコーディング風景、メンバーのインタビューなどを収録している。バンドのルーツであるアメリカン・ミュージックへの傾倒を記録しており、映像は意図的にモノクロームとカラーが使い分けられ、シネマティックな演出が施されている。
同タイトルのサウンドトラック・アルバム（『魂の叫び』）も同時にリリースされたが、本作（映画版）にはアルバムに収録されていない楽曲や、テイクの異なるライブ・バージョンなどが多数収録されている。タイトルの「rattle（ガラガラ）」と「hum（ブンブン）」は、楽曲「ブレット・ザ・ブルー・スカイ」の歌詞に登場する擬音語から引用されたものである。
概要
構想 当初、U2は自分たちで資金を出し合い、ライブ映像を交えた低予算の「小さなロードムービー」を制作する計画だった。しかし、プロジェクトは次第に規模を拡大し、最終的には大掛かりな映画作品へと発展した。ラリー・マレン・ジュニアは後に当時を振り返り、「それが怪物になってしまった。『ヨシュア・トゥリー』ツアーの狂騒のせいだ。俺たちは現実を見失っていた」と語っている。
監督の起用 監督探しは急ピッチで進められた。熱心なU2ファンだったフィル・ジョアノーは知人を通じてU2が監督を探していることを知り、北米ツアー最終公演が行われたハートフォードへ急遽駆けつけ、コンサート終了後にバンドと面会した。
他の候補者が具体的な演出案を提示する中、ジョアノーは16mmフィルムによるドキュメンタリーを好むことや、白黒映像とカラー映像を組み合わせるという映像面のアイデアを示し、映画の内容については「一緒に探っていこう」と提案した。作為的な演出を避けたいと考えていたU2は、このアプローチを評価し、ジョアノーを監督に起用した。ボノはジョアノーについて、「面接した中で一番若い監督だったが、頭脳明晰で技術に精通した素晴らしい男だった」と評価している。
その後、ジョアノーはダブリンに招かれ、約1週間にわたってメンバーやその友人たちと行動をともにした。これは、ツアーに同行する監督をバンドの一員として受け入れられるかを見極める意味合いも持っていた。ジョアノーはこの期間を経て正式に監督を任されることになった。
撮影 映画の制作にあたっては、ザ・バンドのライブ映画『ラスト・ワルツ』（1978年）、『ストップ・メイキング・センス』、『ギミー・シェルター』などのライブ映画が参考にされた。
撮影には約150万フィートのフィルムが使用された。モノクロのライブ映像と16mmによるバックステージ映像はロバート・ブリンクマンが、カラーのライブ映像はジョーダン・クローネンウェスが撮影した。U2自身も制作費として約500万ドルを出資し、完成した作品に納得できなければ公開を見送ることも可能な形で制作が進められた。
編集 編集作業は、スティーヴン・スピルバーグの協力により、ユニバーサル・スタジオ内のアンブリン・エンターテインメントで行われた。
ジョアノーはツアー中、メンバーの生い立ちや音楽的背景、バンド内の関係などについて多数のインタビューを撮影していた。しかし編集段階でU2は、メンバー個人の内面や過去よりも、映画の中心を音楽とツアーに置くことを決定した。その結果、メンバーの過去を掘り下げたインタビュー映像の多くは最終的に使用されなかった。
この方針については、映画がバンドの内面を十分に描いていないと批判する評論家もいた。一方で、U2は当時、私生活や個人的な問題を作品の中心に据えることを望んでおらず、ライブと音楽を軸とした映画にすることを選択した。
公開と評価
完成した映画はパラマウント・ピクチャーズによって配給され、北米では約2,000スクリーン規模で公開された。しかし、大規模な宣伝と公開によって、U2が商業化・ハリウッド化したとの批判も起こった。バンド自身も後に、この大規模な公開については過剰だったとの認識を示している。しかし、映画は興行的には失敗し、北米では1,400館以上で公開されたにもかかわらず、上映開始から3週間で興行収入はわずか840万ドルにとどまり、上映打ち切りとなった。
映画版に対する批判も厳しかった。『サンデー・タイムズ』紙のイアン・ジョンストンは、この映画を「おそらく史上最悪のロック・ドキュメンタリー」と呼び、U2について「誰かがモンキーズを石膏の型から振り落として以来、これほど味気なく、刺激に乏しく、面白みのない4人組のミュージシャンとして登場したことはない」と評した。 『ワシントン・ポスト』紙のハル・ヒンソンは、この映画を「ロックンロール版の聖人伝を作る試み」と評し、ボノがカメラの前で見せる自己演出を皮肉った。「ボノほど自分の上腕二頭筋を愛している芸能人が、これまでにいただろうか？」と書いている。
バンドに向けられた批判の一部は、ライブで披露したビートルズの「ヘルター・スケルター」のカバーにも集中した。ボノは曲の冒頭で「これはチャールズ・マンソンがビートルズから盗んだ曲だ。俺たちはそれを取り返している」と紹介した。 この発言は、U2が自らをビートルズの後継者として位置づけているかのような印象を批評家に与える一因となった。ボノは後に『ローリング・ストーン』誌のインタビューでビートルズについて、「俺たちがビートルズより優れたバンドだと言っているわけじゃない。でも、俺たちはビートルズよりも『バンド』なんだ」と述べ、「俺たちは4人いる――本質的にはストリート・ギャングだ」と説明した。また、「レノンとマッカートニーが曲を書き、リンゴがドラマー、というような分業ではない。俺たちがステージに上がったとき、本当の芸術作品になるのはバンドそのもの、つまり俺たち4人なんだ」とも語っている。
しかし、この映画に対する最も妥当な批判の一つは、U2自身についてあまりにも多くを明らかにしていないという点だった。世界最大のロック・バンドの一員であるとはどのようなことなのか、またメンバーそれぞれがどのような人物なのかという点には、ほとんど焦点が当てられていなかった。『インデペンデント』紙のアンディ・ギルは、「私たちはU2にまったく近づくことができず、彼らについて何一つ知ることができない」と批判し、「馬鹿に見られまいとするあまり、彼らは自分たちの現実を、厳粛そのものになるまで再編集してしまった」と評した。
また、映画やアルバムに関連して大量の公式グッズが販売され、U2のメンバーを写した大規模な広告も展開されたことは、バンドに対する反発をさらに強める要因となった。こうした展開は、U2が『ヨシュア・トゥリー』の成功によって得た「世界最大のロック・バンド」という地位を、自ら神格化しようとしているとの批判とも結びついた。後年、U2自身も『ヨシュア・トゥリー』から『魂の叫び』に至る時期について、その「禁欲的で深刻な」イメージが批判の対象となったことを認めている。
一方、ジョアノーは本作について、当時のU2の姿をありのままに捉えた作品であると評価している。後年、ボノも本作をテレビで見返した際、作品の完成度を再評価し、ジョアノーに電話でそのことを伝えたという。
また、本作をめぐる批判や商業的な反動は、U2自身にも大きな影響を与えたとされる。その後、バンドは『アクトン・ベイビー』（1991年）で、それまでのイメージや音楽性を大きく転換し、より実験的で自己批判的な方向へ進んでいくことになる。
収録曲
脚注 出典
参考文献